Ipek Yolu ist der türkische Name für die Seidenstraße, die Asien und mit Europa verbindet. Die Karawane Ipek Yolu beschäftigt sich nun nicht mit dem Transport von Seide, sondern sammelt vielmehr die Aromen, Düfte und Klänge aus den unterschiedlichsten Teilen der Welt und verbindet sie. Sie vereint basslastige Electro-Cumbia-Grooves, Saz-Riffs und Surfgitarren zu einem multikulturellen Schmelztiegel aus südamerikanischen Rhythmen, anatolischer Volksmusik und psychedelischem Rock der 60er Jahre. Es entsteht ein einzigartiges Klanguniversum, eine kaleidoskopischen Mischung aus Musik, die den tropischen Dschungel und die staubigen Wüsten verbindet. Ipek Yolu hat 2020 genutzt, um ihr Debütalbum Tropical Anatolia zu schreiben und sind mehr als bereit, die Bühnen der Clubs und Festivals zu besuchen. Die Mitglieder von Ipek Yolu trafen sich zum ersten Mal während des Aarhus Roots & Hybrid Festivals im Jahr 2018 zu einer improvisierten Jam-Session. Die Show war als einmaliger Auftritt von Mitgliedern der Bands Hudna und Junglelyd geplant. Die Chemie stimmte und angefeuert durch das Publikum dauerte das Konzert fast drei Stunden. Schnell stand fest, etwas Besonders war entstanden - die Essenz aus zwei Bands, die für groovende Partys bekannt sind und zu der sich musikalische Neugier und Improvisation gesellt.

Die drei Mitglieder von Ipek Yolu sind seit mehreren Jahren Teil der dänischen Musikszene. Bandleader Orhan Özgür Turan ist ein bekannter und angesehener Saz-Spieler nicht nur in Dänemark und hat wegweisend den Sound der anatolischen Folk-Band Hudna geprägt. 2018 gewann er bei den Danish World Music Awards die Auszeichnung als Global Roots Artist des Jahres. Olaf Brinch und Lasse Aagaard spielen seit vielen Jahren in den unterschiedlichsten Bands zusammen und sind ständig auf der Suche nach dem unterschiedlichen Tönen dieser Welt. Und so entwickelten sie ausgehend vom Cumbia bei Junglelyd über den Afrobeat bei African Connection ihren eigenen Sound. Beide tourten durch Ghana, spielten und lernten von CC Yoyo, dem ehemaligen Schlagzeuger von Fela Kuti und sind noch an unzähligen weiteren Projekten beteiligt. Alle diese Erfahrungen wurden nun vereint, um mit Ipek Yolu den weiten Genre der Weltmusic den Bereich Tropical Anatolia hinzuzufügen.

This is a Pre-Order. Releasedate is the 20.july 2021. Das dritte, 2012 erschienene Album von Chain & The Gang besitzt einen attraktiven Joker: Katie Alice Greer – die charismatische Sängerin der Priests übernimmt in allen Songs die zweite Stimme. Und egal ob sie nur ein spitzes „Yeah!“ herausstößt, oder wie in „Free Will“ den Song komplett übernimmt – ihre Präsenz steht spürbar im Raum. „In Cool Blood“ ist so eine Art Bonnie-&-Clyde-, oder Nancy-&-Lee-Album geworden: abenteuerlich, sexy und ziemlich von sich selbst überzeugt. Die Balance zwischen den beiden unterschiedlichen Stimmen ist perfekt austariert, die Songs sind lässig, aber auf den Punkt. Es geht diesmal weniger gegen den Kapitalismus und mehr um das Ausleben persönlicher Freiheit. „Heavy Breathing“, feiert die Freuden des nächtlichen Telefon-Sex; „Free Will“ singt Greer so rotzig selbstbewusst, als habe sie einem übergriffigen Typen soeben einen schmerzhaften Tritt in die Weichteile verpasst: „I don‘t believe in free will. I just do what I feel, that is the deal, I don‘t believe in free will“. Kenner hören da sicher auch Anklänge an die Delmonas oder Holly Golightly. Es ist schwer, diese Mischung aus lauerndem Garagen-Rock und ironischen Posen und Bekenntnissen nicht zu mögen.

Chain & The Gang haben sich hiermit ihre eigene Welt erschaffen, eine heftig brodelnde Petrischale voller Songs und Storys, die Vergangenheit und Zukunft des Rock‘n‘Roll zusammenführt. "Not for the weak of heart or the slow of brain, „In Cool Blood“ is for the hot of blood, the quick of temper, and the hard of sleeping. Recorded in a spontaneous, ad lib session of dream led automatic writing/rocking, „In Cool Blood“ was made at a Surrealist stomp session in the bowls of Olympia." – CHAIN & THE GANG manager Johnny Sincere

Die Geschichte des Rock’n’Roll ist auch eine Geschichte der Missverständnisse. Eine dieser falschen Auslegungen betrifft das Wort Sex (verewigt in der beru?hmtesten aller Phrasen). Ich bin der festen U?berzeugung, daß im Rock’n’Roll Hauptanziehungsgrund und Attraktivität nicht die Vorstellung an die schno?de Vereinigung korpulierender Körper, sondern vielmehr die sinnliche Ausstrahlung der Kunst und seiner Interpreten an sich ausmachen. Ein in diesem Zusammenhang meiner Meinung nach oft bewußt falsch eingesetztes Argument ist die überbordende Maskulinität. Bei genauer Betrachtung sind Muskelmänner allerdings eher die Ausnahme. Warum ich diese Einleitung wähle? Vor 25 Jahren, zum Beginn der Hochzeit des skandinavischen Rocks, gründet sich in Stockholm eine Band, deren Musik und Songs ich bis heute ohne zu Zögern mit den Worten sexy, lustvoll, anziehend, verführerisch oder auch erotisch bezeichnen würde. Diese Band, gestartet von vier schma?chtigen Jungs, machte all das, was für mich diese Großartigkeit dieses Genres verkörperte. Der Rock, den ich mag, war immer der Rock der Straße und nicht der Stadien, der Rock der Underdogs und nicht der cleveren Unternehmer. Es war der Rock, der seine Funktionalita?t eben nicht aus meterhohen Verstärkertürmen, sondern eben aus der Sexyness der souligen Songs zog.

Die Rede ist von Sons of Cyrus, vielleicht eine der am meisten unterbewertetsten Bands dieser Gattung. Gegru?ndet 1996 von Erik, Love, Mackie und Topi, spa?ter dann, nachdem Erik die Band verließ, weitergefu?hrt mit Max und Torgny an der Harmonika, spielen sie 3 Alben und 7 Singles ein. Alle Songs zeichnet eine wohltuende Schnoddrigkeit aus, sie wirken wie die durch die Zahnlücke gedrückten Pfiffe einer Bande Straßenjungs. Frech, anmaßend und unverschämt. Sie wollen nicht wissen, was die Welt kostet, denn diese gehört ihnen bereits. Diese DoppelLP vereint verschiedenen Singles und Samplerbeiträge und ist für mich ein Dankeschön an all die tollen Erinnerungen, die ich mit ihnen und durch sie hatte und für dich eine nette Gelegenheit, endlich mal wieder toll geilen Garagenpunk zu kaufen.

Zwischen Aarhus und Bamako liegen 6.593 Kilometer – und ein tiefer sozioökonomischer Graben. Aus Afrika zieht es deshalb schon lange Menschen nach Europa – umgekehrt ist das leider nur selten der Fall. „Sira Kura“, das Debütalbum der dänisch-malischen Band Faratuben, zeigt was möglich ist, wenn sich Musiker aus der eigenen Komfortzone herausbewegen, um sich auf Augenhöhe zu begegnen. Die Musik der in Bamako lebenden Band ist keine weitere Variante des Afrobeat, keine retroselige Erinnerung an Fela Kuti, wie so oft. Es ist eine elektrifizierte Version der jahrhundertealten Bwa- und Bobo-Musik, die sich von den traditionellen Kora-Klängen eines Toumani Diabate und Salif Keita durch mehr Druck und Tempo unterscheidet. Die drei Da?nen Mikas Bøgh Olesen, Jakob de Place und Mads Voxen kamen nach Mali im Rahmen eines Austausch-Programms des Conservatoire de Arts et Metiers Multimedia (CAMM), wo sie zum ersten Mal traditionelle Bobo-Music hörten. Bobo, so nannten die französischen Kolonisatoren das Volk der Bwa, eine unterdrückte Minderheit, die in Burkina Faso und im Norden von Mali lebt. Die perkussive Musik der Bwa wird getrieben von diversen Percussion-Instrumenten und dem Klang des Balofon, eine Art Xylofon mit untergehängten Kalebassen. Die drei dänischen Musikstudenten waren total begeistert von dem dynamischen Sound, der in Mali religiöse Zeremonien ebenso begleitet, wie Hochzeiten und Partys.

Zusammen mit Gitarrist und Studiobesitzer Dieudonne Koita, Sänger Sory Dao und dem Balofon-Virtuosen Kassim Koita formierte sich eine Band, die ursprünglich nur ein einziges Mal auftreten sollte: beim Bamako Jazz Festival. Auf den Plakaten stand damals noch der Name Bobo Jazz Experience. Doch der Auftritt war zu grandios um nicht weiterzumachen. Im Bogolan Studio in Downtown Bamako spielten die Musiker kurze Zeit später die Songs „Terete“ und „Pari“ ein, die beim TV-Sender ORTM und diversen malischen Radiostationen schnell auf heavy Rotation liefen. Die Band hatte sich inzwischen für den Namen Faratuben entschieden, eine Kombination der Worte „Farafin“ (= Schwarz) und Toubabou (= weiß). Die Musiker proben und leben oft zusammen in den Bergen außerhalb Bamakos, in einem Dorf namens Kati, wo die Familie Koita zuhause ist. Ein großer Clan, der schon viele bedeutende Musiker hervorgebracht hat. „Die Elektrifizierung ist ziemlich neu in unserer Tradition, und der erste, der Bwa- Music auf einer elektrischen Gitarre gespielt hat, war unser Vater Pakuene Koita“, sagt Dieudonne Koita. Sein Bruder Kassim wurde bereits vier mal zum besten Balofon-Player Malis gewählt. Auch Faratuben werden in Mali immer erfolgreicher, sie spielen auf Hochzeiten, Festen und zunehmend auch auf großen Festivals, wie „Spot on Mali Music“. Kurz: Es war höchste Zeit für ein Debütalbum! „Sira Kura“ ist eine extrem abwechslungsreiche Fusion, in der sich die pulsierenden Polyrhythmen der Bwa-Music mit Elementen aus Jazz und Art-Pop organisch verbinden – gespielt auf traumhaft hohem Niveau. „Eine moderne Mischung aus 10CC und Osibisa“, nennt es Keyboarder Mikas. Und tatsächlich, eine so überwältigende Melodiösität, ein so komplexes Songwriting findet man im Afrobeat nur selten. Auf Bambara, eine der vielen Sprachen, die in Mali gesprochen werden, bedeutet „Sira Kura“ soviel wie „neue Richtung“. Doch Faratuben geht es um mehr als um Partys und gute Laune. Das mitreißend kämpferische „Mi Njan Mure Mure“ erzählt von den Tagen, als Mali eine französische Kolonie war: „You took our land, you took our space, you torture us, you treated us with barbarity“. Die Musiker sehen ihre Band als gelebten Anti- Rassismus, oder, wie Diedonne sagt: „Ich hätte vorher niemals gedacht, dass ich Weißen gleichberechtigt und auf einer Ebene begegnen kann. Dass Weiße in meinem Haus wohnen, essen und schlafen, und mit meiner Familie zusammenleben, so wie ich auch. So etwas ist sehr selten in Mali. Wir sind glücklich und stolz, dass wir mit Faratuben zeigen können, dass es möglich ist, eine Gemeinschaft zu erschaffen, jenseits von Rassen und Hautfarben. Inzwischen hat sich die Band auch in Skandinavien eine treue Fan-Gemeinde erspielt. In Dänemark, wo das Album bereits letztes Jahr erschienen ist, wurde „Sira Kura“ mit dem Danish Music Award für das beste „Globalpop“-Album ausgezeichnet. Und im August erhielten die Musiker dazu noch eine Nominierung für den DMA-Roots-Award. Es läuft also wieder für Faratuben, die von März bis August wegen Corona in Aarhus festsaßen und erst Ende des Monats nach Mali zuru?ckkehren konnten. Im Gepäck, die während der Quarantäne entstandenen Songs für das zweite Album. Doch bis es soweit ist, wird „Sira Kura“ dafür sorgen, dass der Herbst in Deutschland ziemlich heiß wird. Bwa-Music rules!

„Snooze / Puppe“ ist die 9. Single Veröffentlichung der neuen Musikgruppe Gewalt. Diese Singleveröffentlichung kam zustande in einem großen Akt von Solidarität. Wie so oft betreten Gewalt (wie so oft unmerklich für den Hörer) neues Terrain. Auf den kranken Dub Reggea Groove von "Snooze" tritt erstmals die klare kalte Stimme von Helen Henfling in den Vordergrund. Neumitglied Jasmin Rilke macht sich bei ihrer ersten Gewaltaufnahme gleich unentbehrlich und zimmert auf Snooze ein 70ies Doom Bass Riff für die Ewigkeit. „Puppe“ ist das was Gewalt am liebsten tut: Old School Hip Hop. Am Ende ist es irgendwie immer Gewalt. Snooze Klingelt unser Wecker, stehen wir auf und tun was wir tun. Ob es uns gefällt oder nicht (unser Leben), wir sind der festen Überzeugung, dass das das Leben ist. Die andere Welt, die wir in unseren Träumen berühren, nehmen wir oft nicht wahr oder nicht ernst. Wir tun sie ab als jongliere unser Geist nur mit Gedanken. Was aber, wenn wir uns entscheiden endlos, liegen zu bleiben, den Wecker wieder und wieder ein weiteres Mal auf "Snooze" zu stellen. Wir beginnen unsere Träume zu leben und sie zu gestalten. Wir entscheiden uns für eine aufregendere intensivere Wirklichkeit und lassen die eigentliche Realität, diese "klebrige unklare Welt" hinter uns zurück.

Puppe Ich weiss, wer ich bin - ich weiss, warum ich so geworden bin - ich kenne die Kräfte die auf mich einwirken. Bin ich krank? Ist krank sein normal? Was nützt meine Reflexion? Oft bleibt es unmöglich, sich der Liebe zu nähern, sei sie auch noch so greifbar

Ich möchte Danke sagen. Am 28.03. startete ich den Sounds of Subterrania Artists Fond, eine Solidaritätsaktion für Künstler, die von den Auswirkungen der Maßnahmen zu Covid-19 betroffen sind. Teil dieses Projektes war die Veröffentlichung einer speziellen Künstleredition, gestaltet von Jochen Mönig und gedruckt von Philip Janta. Jetzt, knapp 4 Monate später, halte ich sie in meinen Händen und es ist unnötig zu sagen, daß sie ab sofort auf die Reise zu Euch gehen kann. Ich möchte Danke an jeden einzelnen Spender sage. Eure Unterstützung hat konkret geholfen und auch wenn wir nicht das Ziel erreicht haben, war es doch eine große Hilfe für Faratuben und Bibi Ahmed. Wirkliche Solidarität und Humanität erkennt man immer an dem Einsatz für unbekannte Menschen. Daß dieses vielen von Euch wichtig war, bedeutet mir sehr viel und es macht mich glücklich. In diesem Zusammenhang möchte ich bekannt geben, daß weitere limitierte Künstlereditionen folgen werden. Die Erlöse werden auch hier sozialen und kulturellen Projekten zugeführt. Das reguläre Album „Sira Kura“ von Faratuben wird im Oktober erscheinen, wer nicht so lange warten möchte, hat die Möglichkeit, in meinem Webshop eines der letzten Exemplare der Sonderedition zu erstehen. Danke für eure Aufmerksamkeit und eure Solidarität.

Ewi yoo ta mi be ura sio ma’e, Faratuben a toubara, Ma farafina ro, Wa se ma we, a wa di ma we, a wa bwe ma we dimignan siwo wa yere fi wena wa wure a de’ere ro wa se ma we, wa di ma we, wa bwe ma we do you not see faratuben? a group composed of white and black we eat, we work and we play music together. there is nothing more beautiful than sharing, help between brothers. we say no to racism. we eat, we work and we play music together.

Cumbia ist ein traditionelles lateinamerikanisches Musikgenre, welches ursprünglich aus Kolumbien stammt und sich seitdem auf dem gesamten spanischsprachigen Subkontinent verbreitet hat. Es vereint Elemente indigener südamerikanischer Melodien, afrikanischer Rhythmen und europäischer Kompositionen zur Entwicklung von Harmonien und Progressionen. Um den tristen Tanzflächen der westlichen Hemisphäre neues Leben einzuhauchen, verwenden heutzutage viele junge Künstler Cumbia als Grundidee und verbindendes Glied, um eine elektronische Variante dieses Genres zu entwickeln. Unter diesen befindet sich ebenfalls der dänische DJ Kenneth Rasmussen und seine 2015 gegründete Band JUNGLELYD, welche die klanglichen Sphären moderner südamerikanischer elektronischer Musik erforschen. Digital Cumbia, Tropical Bass, Zouk, Moombathon, moderne Sounds, die auf traditioneller lateinamerikanischer Tanzmusik basieren, hatten Einfluss auf die Kreativität von JUNGLELYD. Die Band kombiniert digitale und analoge Instrumente in ihrer Musik. Das zarte Flötenspiel von Lasse Enøe verleiht der hypnotischen Mischung einen Hauch von Souljazz. Alle Rhythmen sind eine perfekte Mischung aus elektronischen Beats und Live-Percussion, während Gitarren, Bassgitarre, sowie Blasinstrumente eine lebendige melodische Umarmung bilden.

Nach zwei EPs im Jahr 2017 wird die Band ihr Debütalbum im Jahr 2020 auf SOUNDS OF SUBTERRANIA veröffentlichen. Das Album beginnt mit einer Hymne an das größte Lebenselixier der Welt - Kaffee. Natürlich eingebettet in eine entspannte Cumbia-Melodie. Die leichten Gitarrenharmonien entwickeln sich, schweben auf raumumschließenden Synthesizerwellen und folgen rhythmischen Mustern, die in euren Bewegungsapparat eindringen und dort fortlaufende Tanzbewegungen verursachen. Etwas komplexer in seiner rhythmischen Struktur, dabei aber immer noch extrem groovig ist „Boots“. Man merkt, die Tanzbewegungen werden heftiger und man ertappt sich dabei, wie man vor den Lautsprechern auf und ab springt. Tropische Inselbilder kommen einem in den Sinn – Kitsch. Nur eben, dass dieser durch die elektronischen Elemente und fantastischen Melodien verhindern wird, und so eben nicht dieses Lied nur ein weiteres, typisches, x-beliebiges lateinamerikanisches Musikstück wird. JUNGLELYD fügen der eindringlichen Musik aus den Anden die psychedelische Idee von Spacerock hinzu. Spuk ist das beste Wort, um den dritten Song „Lucerito de la Manana“ zu beschreiben, in dem die Sängerin Luna Ersahin mit Lead-Vocals und mystischen südamerikanischen Flöten den gewissen Unterschied kreiert, um am Ende mit einem Hauch von psychedelischem Jazz zu schließen. Dub, Psybient, Cumbia schließen sich für die nächsten Tracks zusammen und in opaleszierenden Farben spielen JUNGLELYD ihre meist instrumentale Musik vor ihrem Publikum, das aus psychedelischen Fanatikern, Cumbia-Liebhabern und Liebhabern elektronischer Musik besteht. In diesem futuristischen Exotikstil kann man eine ganz neue spirituelle Welt finden. Der Dschungel, in den er den Hörer mitnimmt, existiert auf riesigen Computerbildschirmen rund um den Hörer. Man kann die Tanzflächen in den heutigen Clubs dampfen und kochen sehen, während tanzhungrige Seelen durch die Nacht schweben. Die Musikalität dieses Kollektivs ist außerordentlich hoch, die Blasinstrumente zeigen eine ungewöhnliche Hingabe und Entschlossenheit für zusätzliche Farbeffekte bei gegensätzlichen elektronischen Klangkreationen. Und die süßen Twang-Gitarren hier und da erinnern an Zeiten, in denen die ideale Welt auch in verträumten Klängen ihren Ausdruck fand. Dieses Album ist ein fortwährender Traum und man kann es sich zueigen machen, wenn du es wagst den von JUNGLELYD geschaffenen digitalen Dschungel zu erkunden. Bleibt noch zu erwa?hnen das JUNGLELYD Debüt ist das perfekte Sommeralbum.