Jeder Musikhörer, der eine Spur von Punk-Sozialisation in sich trägt, hat Tom Schwoll bereits Gitarre spielen hören. Der gebürtige Berliner ist - der Begriff ist etwas abgekaut, aber hier trifft er einfach - ein Urgestein der Punkszene in der Hauptstadt. Ob mit seinen frühen Bands wie Zerstörte Jugend und Manson Youth, für die er damals sogar die Schule abbrach, über seine Zeit als Gründungsmitglied von Jingo de Lunch und als Teilzeit-Gitarrist bei Extrabreit, weiter über die rund 25 Jahre als kompositorische Triebfeder bei Die Skeptiker - bis hin zu seiner aktuellen Punkband Es war Mord: Tom Schwoll ist eine impulsgebende Figur im (meist) deutschsprachigen Punk, seit jener damals in Berlin mit brachialer Kraft einschlug. „All die Bands, in denen ich bislang gespielt habe, waren sehr wichtig für mich, denn sie sind alle Teil meiner persönlichen Entwicklung auf musikalischer Ebene. All diese Bands und Erfahrungen gehören zusammen, all die Menschen, mit denen ich gespielt habe, haben einen Einfluss darauf genommen, als was für ein Musiker ich mich heute verstehe. Nicht alles davon hat zwingend immer auch meinem persönlichen musikalischen Horizont entsprochen, aber auch das kann ja eine wichtige Erfahrung sein.“ Obendrein betrieb er viele Jahre gemeinsam mit Smail, einem weiteren weitreichenden Pfeiler der Berliner Punk- und Hardcore-Szene, das primär auf analoge Live-Recordings spezialisierte Schaltraum Tonstudio - „mit dem Geruch und der Atmosphäre der 50er-Jahre“, wie die beiden selber auf der Homepage des Studios schrieben. Kunden waren unter anderem die Beatsteaks, die Toten Hosen, Mad Sin, Stereo Total, Selig oder Walter Schreifels, die hier eine oder auch mehrere Produktionen durchführten. Betrachtet man Schwolls musikalische Vergangenheit, so besitzt sein erstes Soloprojekt Fleur de Malheur eine zunächst überraschende stilistische Ausprägung. Die Musik darauf ist - im weiteren Sinne - eine amerikanisch geprägte Singer-/Songwriter-Schule, versehen mit einem dunklen Twist. Ein Country mit Ecken, Kanten und manchmal auch einem betont süßen Schlenker. Ein mit Tradition aufgeladener Indie- und Folksound, der zwischen leichtfüßig und schwermütig hin und her wechselt, als sei es das Leichteste auf der Welt. Die Idee von Fleur de Malheur war für Tom aber nun nicht, seine ganz eigene Version von US-Country zu formulieren, also einfach etwas zu adaptieren und im Geiste eines bestimmten Genres zu arbeiten. Im Ergebnis wirken die Songs gleichzeitig unbehauen, aber zu Ende gedacht. Minimalistisch, aber ausgereift. Sehr nah an ihm und trotzdem raumgreifend. Einnehmend, aber in Momenten auch bewusst brüskierend. So entstanden nicht nur die vorliegenden Kompositionen, sondern auch viele der Texte. Texte, die mit dem Hörer etwas machen - sei es nun ein schönes, warmes oder auch mal ein dunkles, bedrohliches Gefühl. Texte, die bewusst auf Deutsch gesungen sind, damit man sich auf direktem Weg mit ihnen auseinandersetzen kann. Und Texte, die von einer Stimme gesungen werden, von der es angesichts ihrer hohen Qualität und eindrücklichen Stimmlage rückblickend schade ist, dass Tom so lange brauchte, um ihr Gehör zu verleihen.

Und auch hier kann ich nur schreiben, daß mir dieses sehr viel bedeutet. Leatherface ist mit weitem Abstand eine meiner Lieblingsbands. Sie haben mich mein gesamtes musikalisches Leben begleitet. Daß Frankie jetzt nochmal auf dem Labelgeburtstag spielt, und es auch einen neuen unveröffentlichten Song gibt und dann dazu auch noch ein Video macht mich einfach happy.

Sechs Songs, vom Leatherface Frontmann, die in dieser Form noch mehr an Tom Waits erinnern und Stubbs rauhe Stimme wunderbar zur Geltung bringen.

Zwei Songs. Ein Herz. Immer Liebe. Wenn in der Mitte des Sommers Dein Herz Achterbahn fährt. Wenn Dich ein Lächeln durch den Tag begleitet. Wenn Du nicht anders kannst, als Dich auf der Straße umzudrehen. Wenn die Sonne deine Seele wärmt. Und Dich am Abend die Traurigkeit packt. Dann treibt es Dich zu dem Ort, an dem Dein Herz tanzt – in die Disco Dell’Amore. Freddy spielt hier zusammen mit seiner wundervollen Cosmic Rocktime Band 2 grandiose Italopopdisconummern. Lasst euch einfach mitnehmen es wird sich lohnen.

Wer mit Freddy Fischer und seiner Cosmic Rocktime Band noch nicht so recht vertraut sein sollte, braucht vielleicht doch erst ein paar Stichworte. Orientierungshilfen. Da hört man also einen Discobeat das es einen geradewegs auf den Tanzboden zieht. Auch diese lässige Eleganz der Lieder, die Manfred Krug mal gesungen hat in den Siebzigern und damit selbst die DDR etwas Swing schenkte, wenigstens für einen Moment. Und jetzt vielleicht noch eine weitere Glitzerkugel voll Disco dazu. Das steckt man dann alles in einen schicken Smoking, und schon steht da ein Freddy Fischer da... Aber so einfach ist es dann doch nicht, sonst würde man nach diesem Rezept so eine schmissige Unterhaltungsmusik ja an jeder Straßenecke hören, wo sich dann überall so ein Fischer herumtreibt, dass man gleich einen Chor voll davon hätte und nicht nur den einen Freddy. Die Musik hat jedenfalls Groove und auch auf dem neuen Album orgelt Freddy Fischer wieder derart mit Lust, dass ein Keith Emerson nur beleidigt zur Seite schauen würde und Brian Auger anerkennend ein Auge lupfen und das andere gleich mit dazu, weil er ja gehört hat, dass er ihm nichts mehr vormachen kann an den Tasten. Und die Musik ist tight. Soul und Discokugel. Sie glitzert, diese Musik, und macht nur genau so viele Noten, die man braucht, um die Menschen auch auf die Tanzfläche zu pumpen. Und dann singt dieser Freddy Fischer auch noch und immer wieder von der Liebe, und so eine Zeile wie „Wohin kannst Du gehen mit Deiner Sehnsucht in der Hand“ das muss man sich ja erst ein! mal trauen. Aber Fischer macht das einfach, und das mag man jetzt peinlich klingen, aber wenn Fischer singt verhält es wie bei den Filmen von dem maulfaulen Finnen Aki Kaurismäki, die nur Aki Kaurismäki so machen kann, sentimental und doch auch warm und wahr. Und bei anderen wäre es nur sentimental und eben ein Kitsch. Aber möglicherweise ist dieser Vergleich schon wieder ein Stück zu hoch gegriffen, und die Lieder von Freddy Fischer wollen auch gar nicht größer sein als sie sind. Denn das alles kann ja auch mit gutem Grund die Pest sein, der Jazz, der Soul und selbst die Disco, wenn es sich gefühlsbetrügerisch aufplustert und prätentiös wird. Doch genau das ist „Dreimal um die Sonne“ kein Stück. Das aber muss das Geheimnis von Freddy Fischer sein. Und spätestens beim nächsten Konzert mit ihm und seiner Cosmic Rocktime Band werdet auch Ihr dann mitsingen bei diesem „Wohin kannst Du gehen mit Deiner Sehnsucht in der Hand“. Einfach sehr gute Unterhaltungsmusik aus Berlin.

Tanzbarkeit; der Groove; der Beat mit etwa 120 Schlägen pro Minute. Wenn man jung ist es schwer zu verstehen, aber wir haben sie immer gebraucht: die Diskokugel! Und jetzt, gerade jetzt brauchen wir sie mehr als jemals zuvor. Viel zu spät habe ich das selbst erkannt. „Disco“ als Wort ist in vieler Munde, aber wir reden hier von Disco und nicht von “Disco”. Der Unterschied wird einem sehr schnell klar, wenn man die neue Maxisingle von Freddy Fischer and his Cosmic Rocktime Band auf den Teller legt. Langsam und leise startet der wundervoll warmen Basssound Ron Rocktimes. Schlagzeug Einsatz. Ticky Tack, Ticky Tack, Ticky Tack. Und dann kommt Freddy mit seiner Hammond-Orgel und seinem Fender-Rhodes-Piano. Und es zieht Dich auf die Tanzfläche. Supermax, Moroder, Detroit Emeralds, Roy Ayers - diese Namen schießen einem durch den Kopf und man will, besser man muß, einfach tanzen. Es groovt! Das ist Disco. Und dann sind da noch die paar Worte: "Und wenn wir tanzen, tanzen wir so wie wir sind …” und da ist er: Freddy Fischer, den ich so sehr liebe und der es schafft mit einer Leichtigkeit die ganze Komplexität eines kompletten Genre auf den Punkt zu bringen. Eines Genres das wie kein anderes für Freiheit steht. Für Gleichberechtigung und für Akzeptanz. Für all das wofür auch ich seid Jahren eintrete. Ein Genre bei dem es egal ist, wen Du liebst, welche Farbe deine Haut hat, wie viel Geld deine Eltern oder dein Boss dir zahlt. Ein Genre das dich als das sieht was du bist: Als Mensch. „As long as you act like a human being you can do what you want. That’s the deal.“ sagte David Mancuso und genau da schließt sich der Kreis. "Und wenn wir tanzen, tanzen wir so wie wir sind …” Und ja wir werden tanzen … Gregor Samsa / Sounds of Subterrania

Du stehst in der U-Bahn, vielleicht sitzt Du aber auch im Schwimmbad auf einer Decke oder läufst einfach eine Straße entlang. Und dann kommt Dir jemand entgegen. Eure Blicke begegnen sich. Ihr seht Euch für einen Augenblick in die Augen, und Du bekommst ein Lächeln geschenkt. Und auf einmal ist alles so hell, so eindeutig und klar. Du fühlst Dich mit diesem fremden Menschen so ganz und gar einverstanden und verbunden. Du gehst weiter und dieser andere Mensch geht weiter und Ihr verliert Euch aus den Augen. Du weißt nicht, wo er wohnt, wie er heißt, was er denkt und tut, und Du fängst an zu verstehen, dass dieser Moment, dieser Augenblick, nur so perfekt sein konnte, weil er so flüchtig ist. Weil Du ihn nicht halten kannst, weil er eine große Illusion und große Wahrheit zugleich ist.Und in Dir bleibt die Sehnsucht, und diese kannst Du nicht vergessen. Und für all die, die diese Sehnsucht kennen, ist dieses Lied.

Man kann es drehen und wenden wie man will. Gewalt haben es geschafft, 2017 mit der Weiterentwicklung von Noiserock eine der innovativsten, deutschen Bands zu sein. Sound, Sprache, Live-Performance, Reflexion, es entsteht alles aus einer Eruption und vermittelt aus diesem Grund auch eine Ganzheitlichkeit die man ansonsten selten findet. Vielleicht auch deswegen die Bandentscheidung, einen Teil des Weges mit Sounds of Subterrania zu gehen. Das Thema der fünften Gewalt Single beschäftigt sich mit der Verdichtung der Unmöglichkeit und Unentrinnbarkeit unserer Existenz. Genau zwei Stichpunkte gibt Gewalt zum Verständnis. Punkt eins betrifft Verheimlichung: „Können wir unsere Einsamkeit überwinden? Wenn ja, scheint der Preis dafür der zu sein, sich füreinander zurechtzustutzen. Wir sind nicht in der Lage, uns zu sehen und wir sind nicht in der Lage, unsere utopische Version von uns wahrzunehmen. Wir lieben auf unterstem Niveau.“ Punkt zwei Limiter: „Wir kommen als Genies auf die Welt und verlassen sie als Idioten (Holger Czukay)“ Für die Ritzung des Artworks und die Vervielfältigung mittels Siebdruck gebührt Philip von Janta Island ein großer Dank.

Man kann es drehen und wenden wie man will. Gewalt haben es geschafft, 2017 mit der Weiterentwicklung von Noiserock eine der innovativsten, deutschen Bands zu sein. Sound, Sprache, Live-Performance, Reflexion, es entsteht alles aus einer Eruption und vermittelt aus diesem Grund auch eine Ganzheitlichkeit die man ansonsten selten findet. Vielleicht auch deswegen die Bandentscheidung, einen Teil des Weges mit Sounds of Subterrania zu gehen. Das Thema der fünften Gewalt Single beschäftigt sich mit der Verdichtung der Unmöglichkeit und Unentrinnbarkeit unserer Existenz. Genau zwei Stichpunkte gibt Gewalt zum Verständnis. Punkt eins betrifft Verheimlichung: „Können wir unsere Einsamkeit überwinden? Wenn ja, scheint der Preis dafür der zu sein, sich füreinander zurechtzustutzen. Wir sind nicht in der Lage, uns zu sehen und wir sind nicht in der Lage, unsere utopische Version von uns wahrzunehmen. Wir lieben auf unterstem Niveau.“ Punkt zwei Limiter: „Wir kommen als Genies auf die Welt und verlassen sie als Idioten (Holger Czukay)“ Für die Ritzung des Artworks und die Vervielfältigung mittels Siebdruck gebührt Philip von Janta Island ein großer Dank.

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Man kann es drehen und wenden wie man will. Gewalt haben es geschafft, 2017 mit der Weiterentwicklung von Noiserock eine der innovativsten, deutschen Bands zu sein. Sound, Sprache, Live-Performance, Reflexion, es entsteht alles aus einer Eruption und vermittelt aus diesem Grund auch eine Ganzheitlichkeit die man ansonsten selten findet. Vielleicht auch deswegen die Bandentscheidung, einen Teil des Weges mit Sounds of Subterrania zu gehen. Das Thema der fünften Gewalt Single beschäftigt sich mit der Verdichtung der Unmöglichkeit und Unentrinnbarkeit unserer Existenz. Genau zwei Stichpunkte gibt Gewalt zum Verständnis. Punkt eins betrifft Verheimlichung: „Können wir unsere Einsamkeit überwinden? Wenn ja, scheint der Preis dafür der zu sein, sich füreinander zurechtzustutzen. Wir sind nicht in der Lage, uns zu sehen und wir sind nicht in der Lage, unsere utopische Version von uns wahrzunehmen. Wir lieben auf unterstem Niveau.“ Punkt zwei Limiter: „Wir kommen als Genies auf die Welt und verlassen sie als Idioten (Holger Czukay)“ Für die Ritzung des Artworks und die Vervielfältigung mittels Siebdruck gebührt Philip von Janta Island ein großer Dank.

Compilation mit allen Songs! Streng limitiert!

„Snooze / Puppe“ ist die 9. Single Veröffentlichung der neuen Musikgruppe Gewalt. Diese Singleveröffentlichung kam zustande in einem großen Akt von Solidarität. Wie so oft betreten Gewalt (wie so oft unmerklich für den Hörer) neues Terrain. Auf den kranken Dub Reggea Groove von "Snooze" tritt erstmals die klare kalte Stimme von Helen Henfling in den Vordergrund. Neumitglied Jasmin Rilke macht sich bei ihrer ersten Gewaltaufnahme gleich unentbehrlich und zimmert auf Snooze ein 70ies Doom Bass Riff für die Ewigkeit. „Puppe“ ist das was Gewalt am liebsten tut: Old School Hip Hop. Am Ende ist es irgendwie immer Gewalt. Snooze Klingelt unser Wecker, stehen wir auf und tun was wir tun. Ob es uns gefällt oder nicht (unser Leben), wir sind der festen Überzeugung, dass das das Leben ist. Die andere Welt, die wir in unseren Träumen berühren, nehmen wir oft nicht wahr oder nicht ernst. Wir tun sie ab als jongliere unser Geist nur mit Gedanken. Was aber, wenn wir uns entscheiden endlos, liegen zu bleiben, den Wecker wieder und wieder ein weiteres Mal auf "Snooze" zu stellen. Wir beginnen unsere Träume zu leben und sie zu gestalten. Wir entscheiden uns für eine aufregendere intensivere Wirklichkeit und lassen die eigentliche Realität, diese "klebrige unklare Welt" hinter uns zurück. Puppe Ich weiss, wer ich bin - ich weiss, warum ich so geworden bin - ich kenne die Kräfte die auf mich einwirken. Bin ich krank? Ist krank sein normal? Was nützt meine Reflexion? Oft bleibt es unmöglich, sich der Liebe zu nähern, sei sie auch noch so greifbar

Die Jungs hier (fast die gleiche Besetzung wie bei den Cr(o)ws - ohne Chris Wollard) haben ein zeitlos gutes Album abgeliefert, ohne Frage. 10 kraftvolle Songs mit bittersüssem, melancholischem Emopunk in bester Jawbreaker Tradition, ein wenig straighter, vielleicht auch ruhiger und unverkennbar mit dem typischen Gainesville Flair. Der Sound ist dabei im Gegensatz zur Cr(o)ws LP weniger aggressiv und rauh, eher treibend und melodisch. Das sind Lieder übers und vor allem fürs Leben. Kelab (ex-As Friends Rust), mittlerweile vom Bass zur Gitarre und ans Micro gewechselt, verleiht dabei mit seiner leicht angekratzten, rauchigen Stimme den Songs die angemessene Tiefe und Erfahrung. Wenige Bands verkraften dabei das fehlen eines Songwriters wie Chris Wollard, der es sich aber zumindest nicht nehmen lies das Album abzumischen und auch bei “Elimination Process³ selbst in die Saiten zu greifen, so gut wie Grey Goose. Für mich jedenfalls eine der besten Scheiben dieses Genres und allen Jawbreaker-Fanatikern bis hin zur Alkaline Trio Fraktion wärmstens zu empfehlen!

Kurze + knappe Statements zur eigenen Lage und der der Nation, frischer und unverkopfter präsentiert als die Originale des NDW Underground der 80er. Diese Bremer Jungs haben eine ganze Ära gefressen und interpretieren die früh-80er NDW mit aktuellen Bezügen und einer guten Prise Humor grandios punkig neu. Mit Peter Behrens (Ex-Trio) und Martin Semmelrogge als Gaststars. Klingt wie 1982, als alles noch in Ordnung war und einem "No Future" noch Hoffnung gab. Mehr gibt es nicht zu sagen, hört selbst! Achso: Fans von Herpes und Trend sollten auf alle Fälle ein Ohr riskieren. Schluß!

Die Kölner Band besteht u.a. aus Mitgliedern von King Khan & His Shrines, den Astronauts und Metrophon und legt mit "Explode" ein fantastisches Debüt Album vor. Geprägt vom schneidenen Northwest Sound der Sonics, Kingsmen oder Wailers lassen es die Hara-Kee-Rees ordentlich krachen, mengen dem explosiven Gemisch aber zusätzlich noch jede Menge Soul & trashigen Garagen Charme bei. Angetrieben von einer manischen Orgel und teilwiese zusätzlich mit feurigen Saxophon Einsätzen, klingen die Hara-Kee-Rees wie eine Mischung aus den besten Momenten der Sexareenos, King Khan, Sonics und Mircale Workers. Maximum Schweiß, Groove & Drive!

Nach dem großartigen Debüt "Explode!" legen die Kölner hier noch mal ordentlich nach! Dabei knüpfen die Hara-Kee-Rees im Prinzip genau dort an, wo sie letztes Jahr aufgehört haben und präsentieren uns auf dem Nachfolger wieder die volle Breitseite aus druckvollem Northwest Sixties Punk a la Sonics bzw. Wailers, hartem, eingängigem Trash Beat und extrem tanzbaren Garagen Soul. Der Sound ist dabei schön schneidend und roh und bringt das explosive Musikgemisch absolut perfekt auf den Punkt. Wo sich beispielsweise The International Noise Conspiracy hinter politischen Slogans und einer glatt polierten Produktion verstecken, scheissen die Kölner auf jede Pose und blasen stattdessen zum verschwitzen Frontalangriff auf's Tanzbein! Und überhaupt: Mit den Schweden haben The Hara-Kee-Rees höchstens die Vorliebe für Sonics und Co. gemein, ansonsten wird auf diesen 13 Songs gnadenlos gefeiert, getanzt und vor allem gerockt!

Exciting female poppunk-trio with great vocals from the city of New York. 3 songs to dreaming.

Neues Release von unseren Lieblingsschweden. Den Hit von Grauzone kennt jeder. Höchstwahrscheinlich das Lied aus der Schweiz was am meisten gecovert wurde, aber solch Intensität wie bei diesem Cover wurde sellten erreicht. Dazu kommen 2 weitere Songs unter anderem Shattered Glasses. Limitiert auf 300 Copies!

Tourshirt 2007.