Von der bezaubernden Stimme und entfesselnden Energie des attraktiven und charismatischen Riot-Girl Ciara Thompson geführt, bleibt die Band den Gefielden des Rhythm'n'Blues und der Soul-Musik treu, drücken ihr aber dabei den Buttshakers typischen ungezähmten und wilden Style auf den wir so lieben. Einflüsse wie Sly and the Family Stone, Charles Bradley, Sharon Jones, Etta James, Marvin Gaye sind bei ihren Songs offensichtlich und an den Motown Sound der 60er angelehnt. Songs wie zB "Night Shift" oder die einzige Cover-Version auf dem Album "The Girl Can’t Dance" von Bunker Hill spiegeln die Rock'n'Roll-Energie der Band wider. "Only Your Love" - eine prächtige Ballade - zeigt wie gut Ciara ihre Stimmgewalt auch bei sanfteren Songs bewahren kann. Während "Satisfied" oder "I Wanna Know" eher in Richtung der Sweet Vandals oder Detroit Cobras geht. Stets soulig und voll ansteckender Energie sind die The Buttshakers in der Lage, jedes Publikum mitzureissen. Sie begeistern sowohl die Jazzkenner als auch die Rocker, die Mods, oder einfach jeden Liebhaber der Soul-Musik.

Der Kameruner Francis Bebey war nicht nur ein Pionier der Afrobeat in den 70ern mit Electronica zusammenführte, sondern auch ein stilsicherer Experimentator, der traditionelle Instrumente aufnahm und in einen fremden, unüblichen Kontext stellte. Sanza ist ein kleines, afrikanisches Daumenpiano, im Klang einer metallischen Marimba ähnlich und geignet rhythmisch-harmonische Strukturen zu erschaffen. Die Innovation von Bebey war es seinen Afrobeat mit diesem kleinen Instrument zu psychedelisieren, hypnotische Bässe, stoische,dichte Percussion und vereinzelte Stimme hinzuzufügen und dies als wahrhaft transzendentes Hörerlebnis anzubieten.

Stellt Euch vor ihr steht auf dem Golfplatz und habt ein Eagle und elf Hole-in-one, dreht Euch dann um, zahlt die Runde, setzt Euch in euer altes Auto und fahrt davon. Genauso fühlt sich „S.W.I.M.“ an und um es vorweg zu sagen, die Entwicklung die DIE! DIE! DIE! mit ihrem 5ten Album nehmen war abzusehen und sie steht dem Trio aus Auckland / Neuseeland mehr als gut. Schaffen sie es doch mit „S.W.I.M.“ dem bösen Wort Pop seine unmittelbaren Assoziationen wie Belanglosigkeit und Oberflächlichkeit zu nehmen und perfekt mit ihrem Sound aus Shoegazer und Noise zu kombinieren. So ist „S.W.I.M.“ vielmehr ein Album auf der Suche, auf der Suche nach Antworten. Antworten denen vielleicht auch Zach Harper nachjagte, welcher auf dem von Mark Rutledge gestalteten Artwork abgebildet ist. Highspeed-Tempo, 90er Jahre Emo, Michael Logies groovende Bassläufe, Andrew Wilsons flimmerndes Feedback und leicht aufgekratzter Gesang und natürlich immer wieder und wieder Michael Prains treibendes Schlagzeugspiel. Zerrissenheit erzeugt Spannung, das macht den Reiz von „S.W.I.M.“ aus, denn und das ist dann auch die Kunst, spielen DIE! DIE! DIE! doch genau mit all diesen Eindrücken, welche sie auf ihrer Suche seit 2003 aufgesogen haben.

Neues Lebenszeichen und zugleich der Debüt-Longplayer der Thüringer, auf dem sie ihren Weg weg vom Noise und rein in die Garage konsequent und ziemlich schmissig fortsetzen. Die Jungs schlagen einen weiten Bogen durch das Genre und liefern auf ihrer 10 Song starken Reise einige Hits ab, die von Garagepunk über Surf bis Psychedelia mit so einigem aufwarten. Denkt an Rocket from the Crypt, die sich die Bude mit Man or Astroman, Ty Segall und den Oh Sees teilen und den ganzen Tag trinken, rauchen und musizieren.

Zweimal Hausmannskost aus dem Hause ChuChuRecords. Human Abfall und das eNde bitten zu Tisch. Freunde des Hauses wissen, dass das hier nix mit gutbürgerlich zu tun hat. Hier werden zwei unterschiedliche, regionale Spezialitäten ordentlich durch die Pfeffermühle gedreht. Nichts für schwache Geschmacksnerven. Ohne Vor- und Nachspeise wird hier zweimal Hauptgang serviert. Wie immer, wenn mehr... limitiert auf 500 Stück

Es passiert etwas sehr Spezielles. Rohe Klänge, klingende Röhrenverstärker, rare Abänderungen von Akkordfolgen und sture Bedachtheit auf Reduktion. Simples und dabei tief empfundendes, aufrichtiges Songwriting.

Der erste Impuls: Da fällt es ein paar Typen knapp über dreißig offenbar nicht ganz leicht, dass die Zeit zunehmend voranschreitet. Wie sonst ließe es sich erklären, dass sich vier Männer, deren Adoleszenz unübersehbar schon ein paar Jahre zurückliegt, unter dem Pseudonym »Drunk Motorcycle Boy« zusammentun? Was da alles mitschwingt: Eskapismus, ein Hauch von Midlife-Crisis, Abenteuersehnsucht und, tja, natürlich jede Menge erotisches Heimweh. Aber ist ja kein Geheimnis, dass Melancholie ein ausnehmend starkes Gefühl ist, das selten folgenlos bleibt, insbesondere wenn man es auf künstlerischer Ebene auslebt. Und wenn sich, wie hier, versierte Handwerker mit einer dezidierten Mission ins Studio begeben, dann folgt daraus etwas, das sicher nicht jedermanns Tasse Tee ist, aber dessen emotionaler Sogkraft man sich dennoch nur schwer entziehen kann. Kurz: Das eigenartige Entree ins Universum von »DMB«, für das der Bandname sorgt, verflüchtigt sich in affenartiger Geschwindigkeit, sobald man die Nadel in die Rillen ihrer neuen 12“ setzt. Die Gründe dafür sind schnell erzählt:1. Die Mission ist klar Der treibende Beat. Gitarrenwände so brachial, dass Joe Sacco beim Kritzeln seiner Kiffer-Comics der Pinsel aus der Hand gefallen wäre. Monsterdickhosige Shouter-Attitüde auf den ersten Blick, ehe sich dann auf den zweiten glockenklare Melodien aus dem Noisemorast herausschälen, als hätten die Herren Bob Mould und Grant Hart ihre Jahrzehnte währende Zickigkeit ad acta gelegt und sich endlich zu einer Wiedervereinigung bequemt. So wie Frank Sinatra noch im Rentenalter wie ein Latin Lover klang, wie Paul Stanley immer noch brüllt, als sei gerade der Bus an der Haltestelle vor seiner Haustür in Queens an ihm vorbeigerauscht, so jungbrunnenartig kultivieren »DMB« hier den Geist von Hüsker Dü und frühen Sugar, frisch aufgeschäumt mit den besten Momenten der Get Up Kids, fein abgeschmeckt mit einer Prise Wipers und einem Hauch des Gesamtwerks von Dinosaur Jr.. 2. Ein Vierteljahrhundert deutsche Indierock- und Emocore-Historie DMB-Sänger Rocky »the boy« Meyer (Ex-El Mariachi) und Bassist Matti Rock haben erst vor geraumer Zeit ihre Kult-Band »Balboa Burnout« beerdigt, nachdem sie eine gefühlte Ewigkeit durch die alternativen Zentren und Clubs Westeuropas getingelt waren. Schlagzeuger K. Earnest trommelte in grauer Vorzeit bei der Auricher Indie-Rock-Legende »The Subway Surfers« (1988 – 1996), die einst zeitgleich mit den Miracle Workers, Bullet LaVolta, Mudhoney und Green River beim verdienstvollen Glitterhouse Label veröffentlichten. Und Gitarrist H. Earnest kennt rote Teppiche mindestens genauso gut wie die verlausten Trainingsjacken an den Bartresen der besetzten Häuser, eine gesellschaftliche Bandbreite die sich in jedem seiner brillant-wabernden Riffs widerspiegelt. 3. Gestern ist das neue Morgen Den Kollegen einen überbraten, von wegen innovationsarm und nicht das Ei des Kolumbus. Kein Problem. Solche teils nicht ganz unberechtigten Anmerkungen der Musik-Journaille federt die Band, deren Mitglieder sich irgendwo im Bermudadreieck zwischen Hamburg, Bremen und Göttingen verorten, mit einem kalten Lächeln ab. In ihrem Alter geht es nicht mehr darum, ideenlosen Musikkritikern Schweißperlen der Begeisterung auf die Stirn zu treiben, wie es vielleicht irgendwelchen Mitte-Hipster gelingt, die mit zwei linken Händen auf der Farfisa-Orgel herumdrücken und einen Rückwärtsbeat darunter legen. Nein, beim »DMB« geht es darum, den Motor anzuschmeißen, aufs Gas zu gehen und dann … gib ihm. Zugegeben, das ist schon reichlich breitbeinig für die Generation Latte Macchiato, aber in der Weltanschauung der besoffenen Motorrad-Jungs fühlt es sich nun mal schlicht und einfach gut an. It’s too late to stop them now. Also: Nehmen Sie auf dem Sozius Platz. Sie werden die Fahrt nicht bereuen. Aber nicht vergessen: If you are alone on your bike at night, don’t forget to wear white! – But: They all wear black, tonight!

Kommen aus Lyon und klingen wie Hunter Gahterer. Mir gefällt es sehr.

Limitiert auf 500 Exemplare. Mit Einleger zur Band-Historie. Anno 1986 ist der Boom der Neo-Psychedelic abgeflaut. Viele Bands sind passe´, uninspiriert oder orientieren sich neu. So ergeht es auch den damals blutjungen Crimson Shadows aus Stockholm. Aus deren Asche erstehen die Highspeed V, welche sich noch weiter in der Epoche der Sixties nach hinten orientieren. British Mod und Rhythm´n Blues sind das gebot der Stunde. Ein paar Singles und Samplerbeiträge zeigen in jenem Jahr die kreative Produktivität. Die Songs sind dermaßen frenetisch, wild und archaisch, das man meint die Pretty Things, Troggs, Them oder Yarbdirds im verrauchten, biergetränkten Cavern Club zu sehen. Nicht nur frisurentechnisch um Authentizität bemüht! Klasse!

Dara Puspita (Übers. "Flower Girls") war wohl eine der weltweit größten all-female-Garage-Rock-Band. Der Grund, warum sie hierzulande unbekannt sind, ist daß sie aus Indonesien stammen. In ihrer Karriere von 1965 bis 1973, veröffentlichten sie vier Alben. Groovie veröffentlicht jetzt eine Zusammenstellung der frühen Aufnahmen.

Es ist geschafft. "Return to Struggleville", "Wooden Heart" und "Time is a Machine" sind wiederveröffentlicht und 300 verkaufte Platten am ersten Tag der Pre-Order sprechen für die Notwendigkeit und das Interesse an dieser Ausnahmeband. Ich bin im Grunde ja kein Freund von Re-Releases, aber diese Band hat es mir angetan und seid dem Wegbrechen von HOT WATER MUSIC gibt es keinen wirklichen Ersatz im großen Feld des rockigen Emopunks. Nicht, das LISTENER Hot Water Music kopieren würden, im Gegenteil. Nur fällt mir gerade kein besserer Verweis ein. Sie selbst nennen es Talkmusic, Dan Smith erzählt mit eindringlichem Gesang Geschichten über das Leben und das Scheitern. Für mich hat es viel von altem Beatjazz gepaart mit 90er Jahre Hardcorepunk. LISTENER sind derzeit auf Tour, und die beiden Shows, denen ich beiwohnen durfte, waren groß. Um so wichtiger ein Artwork zu finden, was perfekt die Musik verkörpert. Das Cover besteht mit Gmund Treasury Traditional, aus einem der edelsten Feinpapiere weltweit , die Motive von Greg Coulton wurden nicht gedruckt, sondern Atom für Atom aus dem Papier gelasert. Die Dauer für dieses Verfahren beläuft sich auf ca. 22 Minuten pro Exemplar. Und so wiederspiegeln die Narben im Papier, die Narben des Lebens über die Dan singt.

Es ist geschafft. "Return to Struggleville", "Wooden Heart" und "Time is a Machine" sind wiederveröffentlicht und 300 verkaufte Platten am ersten Tag der Pre-Order sprechen für die Notwendigkeit und das Interesse an dieser Ausnahmeband. Ich bin im Grunde ja kein Freund von Re-Releases, aber diese Band hat es mir angetan und seid dem Wegbrechen von HOT WATER MUSIC gibt es keinen wirklichen Ersatz im großen Feld des rockigen Emopunks. Nicht, das LISTENER Hot Water Music kopieren würden, im Gegenteil. Nur fällt mir gerade kein besserer Verweis ein. Sie selbst nennen es Talkmusic, Dan Smith erzählt mit eindringlichem Gesang Geschichten über das Leben und das Scheitern. Für mich hat es viel von altem Beatjazz gepaart mit 90er Jahre Hardcorepunk. LISTENER sind derzeit auf Tour, und die beiden Shows, denen ich beiwohnen durfte, waren groß. Um so wichtiger ein Artwork zu finden, was perfekt die Musik verkörpert. Das Cover besteht mit Gmund Treasury Traditional, aus einem der edelsten Feinpapiere weltweit , die Motive von Greg Coulton wurden nicht gedruckt, sondern Atom für Atom aus dem Papier gelasert. Die Dauer für dieses Verfahren beläuft sich auf ca. 22 Minuten pro Exemplar. Und so wiederspiegeln die Narben im Papier, die Narben des Lebens über die Dan singt.

Die nach einem Buch Romain Garys benannte Genfer Formation fesselt den Hörermit einem wunderbar zusammengestellten Potpourri aus Country-Blues, Psychedelic- Versatzstücken, dreckigem Rock’n’Roll, Lofi -Touch und Retro-Charme. Die Texte kompromisslos französisch, die Instrumente facettenreich: Folk versus verzerrte Gitarren, schwebend-endlose Lap Steel-Loops, Keyboard, entfesselte Harmonika, hypnotische Drums und Backing Vocals, die an Country-Musik-Helden oder die BLACK LIPS denken lassen. Mit großem Feinsinn und Gewicht legend auf lyrische Finesse hat das Quartett 12 sofort ins Ohr gehende Songs eingespielt. ADIEU GARY COOPER gelingt ein Debüt, das so frisch und einzigartig ist, dass von der Ausprägung eines ganz eigenen Stils die Rede sein kann, wie er manch Anderen auch nach mehreren Veröffentlichungen nicht attestiert werden kann. Bleu Bizarre ist ein ruhiger, wundersam-schöner, psychedelischer Trip - wie eine Reise in die Karibik im Gepäck von Alain Basung und The Velvet Underground.

Wenn ich Chung höre, muss ich an Curtis Mayfield denken. Beide haben es einfach raus Musik für große Autos zu schreiben und bei Beiden wird beim Hören derselbigen für einen selbst einfach alles möglich. Es ist der Drive, der beide verbindet. Natürlich haben Chung ein paar PS mehr, aber das nur am Rande. 8 Jahre sind nun mittlerweile seit der letzten Platte der Spazzwave-Veteranen vergangen und der gerne in alten Reviews herangezogene Vergleich mit der Vorgängerband ´Party Diktator´ liegt bereits 17 Jahre zurück. Machen wir uns nichts vor, das sind Generationen, und doch rocken Chung, als säßen sie, das erste mal alleine, hinter dem Steuer von Papis Cadillac. Die wieder zum Trio geschrumpften Bremer präsentieren zwei Noiserockstücke alter Schule, also genau die Musik, die mittlerweile leider Ü40-Nerds vorbehalten ist, und beide Songs grooven dermaßen, dass, sollten sie jemals das Pult einer Indiedisco erreichen, die Tanzfläche voll mit austickenden Kids hinterlassen wird. Alles klingt vertraut, alles nah, alles dreckig und gefährlich. Und als 7-Inch eine Anmaßung an sich. Sparta hatte 300 Mann, Chung brauchen nur 3 um alles niederzuwalzen, was sich ihnen in den Weg stellt. Nebenbei gesagt, allein für die Bassline bei „Tunnels“ hätten Refused getötet. Mein alter Kumpel Evel würde sagen: Der perfekte Soundtrack, um auf sein Motorrad zu steigen und den Sprung über den Grand Canyon zu wagen.

Dekonstruktion war noch nie eine Theorie, welche Sinn definiert, um Anweisungen zu geben. Vielmehr wirkt sie als kritische Aufhebung der hierarchischen Gegensätze, von denen Theorien abhängen, und zeigt die Schwierigkeiten jeder Theorie auf, die Sinn eindeutig definieren möchte: als Intention, als determiniert durch Konventionen, als Erfahrung.“ , soweit die Lehre. Nun zur Praxis. Action Beat - The Noise Band From Bletchley, im Grunde mehr als eine reine Band, ein Kollektiv, was man ebenfalls hört und live natürlich spürt, haben ihr neustes, fünftes Album genau nach der Frage benannt, die sie immer und immer wieder seid 10 Jahren bei der Suche nach Shows zu hören bekommen. Dabei sollte sich ihr, von bis zu vier Gitarren, einem Bassisten und vier Schlagzeugern gespielter, mit ungestümer Inbrunst vorgetragener LoFi-Gitarren-Noise und ihre Show Qualitäten doch bis zum letzten Booker vorgedrungen sein. Getrieben von der puren Lust an der Improvisation lärmen sich die Jungs durch 30 Jahre Noiserock. Genau ihren Ansatz der Dekonstruktion beherrschen sie in Perfektion. Ihre Sound rückt das unscheinbare, nebensächliche in den Vordergrund und fordert zur Auseinandersetzung mit der eigenen künstlerischen Wahrnehmung. Das Konstrukt des sich ständig änderten Kollektives, welches ihrem Bandsein zugrunde liegt, führt zur somit auch zur Selbstdestruktion und Infragestellung des eigenen Schaffens und genau deswegen macht es Spass Action Beat zu hören. Anmerkung: Das Artwork, bestehend aus rostendem Metall, dekonstruiert sich passend zum Sound der Band selbst. ACHTUNG! Als Rost bezeichnet man das Korrosionsprodukt, das aus Eisen oder Stahl durch Oxidation mit Sauerstoff in Gegenwart von Wasser entsteht. Rost ist porös und schützt nicht vor weiterer Zersetzung. Bewahren Sie aus diesem Grund zur Sicherheit ihrer Schallplatte diese in der Plastiktasche auf! Sounds of Subterrania übernimmt keine Haftung für Schäden die in Verbindung mit der falschen Lagerung entstehen können.

Lo Fat Orchestra haben mit „We need you“ alles richtig gemacht und perfektionieren auf ihrer neuen Maxi weiter ihre Synthese aus Pop und Noise. Während man die letzten Veröffentlichungen auch zu Hause oder im Cabrio genießen konnte, wünscht man sich bei diesen vier Nummern auf der Stelle in einen Club und zwar um 3 Uhr nachts, inmitten einer narkotisch, ausgelassen tanzenden Menge mit einem Getränk, das erst noch erfunden werden muss und einen im Handumdrehen auf Umgebungslevel schießt. Die drei Jungs kommen auf ihrer neuen EP endlich mal wieder komplett ohne Gitarren aus und beschränken sich auf das Wesentliche: Fette Drums und Bass Sounds, überzogen mit einem ordentlichen, verzerrten Farfisa Teppich sowie großartigen Casio Melodien. Glücklicherweise haben Lo Fat Orchestra immer noch das gewisse Etwas, und halten sich nicht bei dem auf, was die Massen zur Zeit verstehen. Dabei ist ihr Geheimnis sehr simpel: Man weiß beim Hören nie, ob man sich in der Vergangenheit, der Gegenwart oder der Zukunft befindet. Überschallrock meets Filmabspann-Melodie. Und so will man bei dieser wie bei jeder Veröffentlichung von Lo Fat Orchestra beim ersten Hören sagen: “Gefällt mir, aber das letzte Album war viel besser.“ Um sich selbst, spätestens nach dem dritten Mal Hören, bei der Behauptung des Gegenteils, zu ertappen.

Die meisten Menschen verbinden Neuseeland zumeist nur mit Herr der Ringe-Schauplätzen und Kiwis - schade eigentlich kommen doch von dort, viele wirklich interessante Bands. Eine von ihnen, seid einer halben Ewigkeit aktiv, sind Die! Die! Die! aus Auckland. Dieses Trio nahm 2006 ihr Debüt mit Überproduzent Steve Albini (Nirvana, Pixies, Shellac,...) auf und fand auf einer späteren Tour noch die Zeit, mit ihm weitere vier Songs einzuspielen, welche später als Locust Weeks EP veröffentlicht wurden. Dieses Album war eines der besten Noise-Rock Alben seiner Zeit und hat, damals wie heute, nie die Aufmerksamkeit bekommen die es verdient hat. Leidenschaftliche Shoegaze-Lärmwände bilden das Fundament für Andrew Wilsons eindringlichen, leicht aufgekratzten Gesang. Das ganze jedoch ohne unnötig ausufernd zu werden, sondern immer sehr dicht gehalten und auf den Punkt gebracht, in Songs verpackt, die meist nicht länger als zwei Minuten sind. Immer und immer wieder werden die Melodien zerstört, um die Fahrt raus zu nehmen und einem sodann die Einzelteile mit voller Wucht entgegen zu schleudern. Alles natürlich noch sehr punkig und unbekümmert, mit vielen abgewetzten Stellen im Soundgewand gespielt, eben genau so, wie es sich für ein Debüt gehört. Will man Referenzen bemühen, wäre ein Bastard aus Shipping News und Blood Brothers ein Möglichkeit. Sounds of Subterrania veröffentlicht nun erstmals ihr Debüt Album, welches seinerzeit leider nur als CD erschien, auf Vinyl. Als Bonus gibt es die Locust Weeks EP noch oben drauf.

Der Beat-Man ist der Beat-Man und es ist unnötig etwas zu seiner Person und zu seinem Schaffen zu schreiben. Wie ihr natürlich wisst hat er mit Voodoo Rhythm sein eigenes Label und doch verbindet uns seit Jahren eine innige Freundschaft. Aus dieser Freundschaft entstanden nicht nur die Special Editions für die Monsters, sondern auch diese 10“. 75 cm groß und ca. 25 kg schwer. Diese Platte ist mein Denkmal für einen Typen der vielen Menschen wieder die Hoffnung an den Rock’n’Roll gab, an einem Mann der um die Welt reist, um zu zeigen das es keine Verstärkerwände braucht um einen das Hirn aus der Schädeldecke zu blasen, einen Freund mit dem man in einem Satz über Biokäse und GG Allin reden kann, einem Künstler bei dem die Bretter die die Welt bedeuten, diese auch noch Bretter sind. Auf dem Bild ist der Prototyp drauf und das Original wird noch etwas raffinierter sein. In der Hand hält der Beat-Man seine Rock’n’Roll Bibel, sein Manifest an die Menschheit. Warum so eine Special Edition? Eine die phänomenalerer ist als das was Kiss je zustande gebracht haben, eine an der ich seid 2 Jahren arbeite, eine die für jede Studentenwohnung zu groß sein sollte, eine deren Herstellung mehr kostet, als die durchschnittliche Plattensammlung der Deutschen? Ganz einfach, weil er es verdient hat und weil ich es kann. Wir reden hier über Fan sein, wir reden hier über etwas zu machen, was keiner je zuvor gemacht hat, über Leidenschaft, im Grunde über die Liebe zur Musik und Freundschaft zu Menschen. Künstler die Menschen wirklich ernsthaft berühren können sind selten, der Beat-Man ist einer der Wenigen der diese Gabe besitzt. Wir alle werden sterben, aber er hat unser Leben lebenswerter gemacht. That’s it! Jetzt zur Preisgestaltung und bitte lesen: Der Preis ist der Preis den das Material gekostet hat. Der Gewinn ist dabei 0,-€. Ich würde mich freuen, wenn ihr bei der Bestellung im Notizfeld den Betrag nennt, den ihr für meine zweijährige Arbeit ausgeben wollt. Dieses ist euch freigestellt und liegt in euren Händen. Gewiss ist nur, das ich mit diesem Geld neue Special Edition bauen werde.

Garage Rock Surf and Psych Howlers from the Vaults of African Colonies"! Zwanzig 60s-Garage Blaster aus Congo, Angola, Mozambique und South Africa. Unter anderem mit Docteur Nico, African Fiesta, Orchestre Veve, Les Krakmen, Oliveira Muge, Rebeldes

Das erste Nebenprojekt der "Os Mutantes" Sängerin Rita Lee, zusammen mit ihrer Freundin Lúcia Turnbull. Die Aufnahmen stammen aus dem Jahr 1973 und wurden im selben Jahr auf einem Konzert der Mutantes, mit den Mutantes als Backing Band, erstmals gespielt. Passend zur psychedelischen Musik, verkleidete sich Rita damals als freaky Alien. Offiziell wurden die Aufnahmen allerdings erst 35 Jahre später in kleiner Vinylauflage von 500 Stück veröffentlicht. Dieser limitierte Repress enthält, außer den Songs der 2008er Pressung, außerdem noch zwei rare Outtakes der Mutantes. Großer Tipp für Fans von (brazilianischer) Psychedelia, gespickt mit freaky Glam- und Progressive-Rock Elementen.

Limitierte Ausgabe von 600 Exemplaren. Ursprünglich 1971 auf dem fr. Kleinstlabel Box Office veröffentlicht , ist dies ein obskures FreakOut par excellence. Heavy Acid der durchgeknalltesten Art. Der erste Bandname lautete "Chico and Slow Death". Gegründet in Lyon, fasst dieses Album noch Songs von Singles hier zusammen. Julian Cope staunt und ist begeistert: die damalige StudioTechnik wird bis zum Exzess ausgelotet: Phasing, Echos und rückwärtslaufende Spuren. Ein Sänger der mehr vor Entzückung keucht als singt, eine Gitarre mit jeden erdenklichen Effektgeräten und ein Drummer, der einen Groove für Derwische herausdrischt. Brainticket, Hendrix, Gun,Guru Guru oder Groundhogs sind naheliegende Referenzen.